GRECIA - Atene, le due Artemide del Pireo

 

L'Artemide del Pireo si riferisce a due statue in bronzo di Artemide scavate nel Pireo, Atene nel 1959, insieme a una grande maschera teatrale (forse in onore di Dioniso) e tre pezzi di sculture in marmo. Altre due statue sono state trovate anche nel nascondiglio sepolto: un Apollo arcaico in bronzo di dimensioni maggiori del naturale (Apollo del Pireo) apparentemente della fine del IV secolo, e un'Atena in bronzo di dimensioni simili in stile IV secolo (Atena del Pireo). La seconda statua di Artemide e quella di Atena sono state scavate da John Papadimitriou. Tutte le statue sono ora esposte nel Museo Archeologico del Pireo ad Atene .
Il Pireo possedeva un porto marittimo primario, Cantharus, e, a causa dell'influenza straniera del commercio e della guarnigione mercenaria sulla collina di Munychia, la città era anche un punto di ingresso per i nuovi culti in Attica .  È stato teorizzato che questo tesoro fosse una spedizione che potrebbe essere stata superata quando il generale romano Silla saccheggiò il Pireo nell'86 a.C. Tuttavia, poiché le varie statue risalgono a un arco di tempo di circa cinque secoli, non poteva essere stato spedito su commissione privata. È possibile che queste statue di culto in bronzo provengano tutte da un santuario che era stato dedicato nel corso dei secoli prima che la collezione fosse rimossa nel I secolo a.C. Il tesoro avrebbe potuto essere trasportato al Pireo da quasi ovunque, anche se, poiché ci sono due rappresentazioni di Artemide e una di Apollo, si pensa che il tesoro possa provenire da Delo , luogo di nascita dei gemelli divini. 
Entrambe le statue di Artemide sono considerate ellenistiche a causa dell'acconciatura e della postura, ed entrambe mostrano un'Artemide corposa con una lunga gonna che le copre le gambe. [Mentre la figura di Artemide A è simile alle altre nella collezione e più grande del naturale, la statua di Artemide B è leggermente più piccola del naturale.
Artemide, una dea vergine che si teneva lontana dagli uomini e dalla civiltà, simboleggiando l'aspetto selvaggio che era sempre evidente nella cultura greca antica, arrivò ad essere adorata come una cacciatrice e una santificatrice della solitudine. 
Era associata alle giovani donne e alle ragazze e alla maturazione biologica, ed entrambe le statue di Artemide del Pireo mostrano la dea come una donna formosa, non come una giovane ragazza selvaggia. Anche l'ira della dea era temuta e raccontata nelle leggende, e parte del culto consisteva nell'appiattire la dea.  Le statue trasmettono questo aspetto; sebbene in entrambe le raffigurazioni la posizione di Artemide sia accessibile, porta la sua arma, mostrando la sua capacità di ritirare rapidamente il favore. Spesso adorata vicino ai confini territoriali e un po' lontana dagli insediamenti, le adoratrici di Artemide erano spesso in pericolo; un aspetto necessario che derivava dal culto della dea. 
Diverse teorie tentano di spiegare la collocazione dei santuari di Artemide. M.Jost ha proposto che i templi sui confini siano associati ad Artemide come cacciatrice e la separino dai templi nelle zone basse e paludose che la onorano come dea della fertilità. Tuttavia, Frontisi ha proposto che la posizione rappresenti il ​​regno della dea come transizione tra natura e civiltà. 
La reputazione della dea non solo come protettrice ma anche come cacciatrice diventa molto più chiara nella statuaria del IV secolo. Sebbene le due Artemisi del Pireo siano ritratte in abiti lunghi, è perfettamente chiaro dal suo arco e dalla sua faretra che è una cacciatrice, mentre altre statue di Artemide la raffigurano in un abito corto o con doppia cintura e indicano un'Artemide più attiva.
La dea era allo stesso tempo selvaggia e pacifica, un aspetto chiave della civiltà, e queste statue riflettono questa idea mostrandola come forte e femminile, accessibile e pericolosa, capace di proteggere o punire i suoi adoratori. 

Pireo Artemide A
Risalente alTardo classico, seconda metà del IV secolo a.C., è alta 1,9 metri; ritrovata mel 1959 al Pireo, attualmente nel museo del Pireo.
La più alta delle due statue di Artemide, presenta una cinghia per faretra che corre diagonalmente sopra la spalla destra della figura e sotto il braccio sinistro. Sulla cinghia, sulla schiena della statua, è presente una traccia di saldatura al piombo, che mostra il punto in cui era fissata la faretra. La sua mano contiene ancora un pezzo di argilla che serviva per ancorare l'arco. Sono presenti anche due piccoli resti in bronzo di una phiale (ciotola per le offerte) che probabilmente teneva nella mano destra rivolta verso l'alto. Questa posizione è in effetti una delle posizioni in cui Artemide e Apollo venivano spesso raffigurati nell'arte greca.
Sebbene il design dell'Artemide A sembri derivare da un modello arcaico, l'artista ha scelto di raffigurare la statua con chiari termini classici. Ad esempio, la figura è raffigurata in una posizione policlitea , come indicato dal fatto che la maggior parte del suo peso grava principalmente sulla gamba destra, lasciando che la gamba sinistra si pieghi e si sposti di lato. Le braccia sembrano potersi muovere indipendentemente dal busto della figura, a giudicare dal modo in cui sono distese. Anche la testa è inclinata di lato, il che ha portato Caroline Houser a interpretare la posizione della statua come un modo per creare l'illusione di una statua animata. 

La dea indossa un peplo , un abito costituito da un unico pezzo di tessuto non tagliato che avvolge il corpo, cadendo a pieghe. L'abito si ripiega sulle spalle, ricadendo raddoppiato sui fianchi e trattenuto da pesi rotondi. La maggior parte del piede sinistro e del sandalo sono esposti a causa della sua posizione, mentre solo le dita del piede destro sono visibili. Tuttavia, i cinturini del sandalo sono scomparsi, poiché sono stati fusi separatamente dal resto della scarpa. Anche i lineamenti della statua sono estremamente elaborati e fusi separatamente dal resto della statua in bronzo. Le sue labbra sono realizzate in rame rosato e si aprono per rivelare i denti in marmo bianco, mentre le sue ciglia di bronzo incorniciano gli occhi in marmo e con iridi color castagna. Tuttavia, a causa delle condizioni delle iridi, la statua appare strabica. I suoi capelli sono acconciati a "melone"; i capelli ondulati sono stati divisi in sezioni uguali, attorcigliati e tirati indietro, e poi pettinati in due grandi trecce e arrotolati intorno alla sommità della testa. 

Pireo Artemide B
Risalente al Primo periodo ellenistico (probabilmente dalla prima parte del III secolo a.C.), è alta 1,55 metri; venne ritrovata al Pireo nel 1959, attualmente nel Museo del Pireo
Questa è la più piccla delle due Artemisie e la più piccola delle statue in bronzo rinvenute nello scavo del Pireo. In linea con l'arte greca, lo scultore prese una forma tradizionale e la rielaborò, dando vita a una figura dal design riconoscibile ma originale. Questa statua è la meno conservata tra quelle rinvenute nel deposito del Pireo; il bronzo si è leggermente sgretolato e altre sezioni si sono completamente separate. Anche il lato destro della testa è leggermente sfigurato a causa del gonfiore. 
La figura è in una posizione simile a quella di Artemide A, ma piuttosto che assumere una posizione policlitea, la posizione di Artemide B è chiaramente prassitelica.  Tuttavia, a differenza di Artemide A, il cui sguardo è più uniforme e leggermente a destra, Artemide B si gira molto più drammaticamente verso destra, la testa inclinata e focalizzata nella direzione del braccio destro teso. Sembra quasi completamente ruotata, creando un vero senso di movimento all'occhio dell'osservatore. Anche le sue braccia sembrano essere posizionate più lontano dal suo corpo rispetto alle altre statue trovate nel deposito del Pireo. La sua mano sinistra è posizionata per tenere un arco e, come con Artemide A, la prova di un cerchio di bronzo attaccato al suo pollice indica che teneva una fiala nella mano destra.

Qui, invece delle due cinghie che si incrociano attorno al petto di Artemide A, solo una cinghia attraversa la spalla destra della figura e sotto il suo braccio sinistro, sostenendo parte della faretra che è ancora intatta. La faretra stessa è stata fusa separatamente dal resto della statua e ha dovuto essere riattaccata alla statua in un momento dell'antichità, posizionandola in una posizione leggermente diversa da quella originale. Anche la cinghia della faretra stessa è elaborata; è decorata con un motivo a meandro e punti con intarsi in argento. 
La figura indossa una cintura intorno alla vita, annodata sul davanti. Il nodo è stato fuso separatamente dal torso, in bronzo tagliato e martellato. La dea indossa anche un peplo, realizzato separatamente dalla gonna sottostante, e un mantello che le avvolge la spalla destra e la schiena, scendendo oltre il fianco sinistro.
L'Artemide B indossa un'acconciatura ellenistica, simile a quella di Artemide A, anche se le ciocche di capelli sono leggermente più alte sulla testa.

GRECIA - Atene, Atena del Pireo

 

L' Atena del Pireo è una statua greca in bronzo risalente al IV secolo a.C. Prende il nome dalla città in cui fu rinvenuta ed è attualmente conservata nel Museo Archeologico del Pireo.
La statua è una rappresentazione di Atena a grandezza naturale, alta 2,35 metri. È in piedi contrapposta e indossa un peplo aperto sul lato destro. Indossa anche un elmo corinzio decorato con grifoni ai lati dell'elmo e gufi sulle guance; la cresta dell'elmo ha un serpente avvolto attorno alla base. Un'egida è legata diagonalmente sul suo torso, che ha una testa di Gorgone in miniatura su di esso insieme a una bordura di serpenti. Le piccole dimensioni dell'egida indicano che è probabile che fosse un segno dell'identità di Atena piuttosto che un vero e proprio pezzo di armamento. La posizione del braccio destro inferiore, teso e con il palmo rivolto verso l'alto, indica che originariamente teneva qualcosa. Le possibilità su cosa potesse essere includono una civetta tenuta in mano, una piccola statua di Nike o una ciotola per offerte. L'idea che la figura potesse essere una civetta, tuttavia, è considerata improbabile da Olga Palagia , in base al fatto che nessuna statua contemporanea di un'Atena in piedi la mostra mentre tiene una civetta. Il suo braccio sinistro è in posizione per tenere una lancia. Il tessuto del peplo appare pesante, come evidenziato dalle profonde linee del tessuto nella scultura. L'attenzione ai dettagli sul retro della statua e la sua leggera curvatura suggeriscono la possibilità che fosse stata progettata per essere posizionata su un piedistallo centrale piuttosto che contro un muro. 
Si è stabilito che l'Atena del Pireo sia un originale e attualmente l'unica statua esistente che si pensa sia basata su di essa è l' Atena Mattei attualmente al Louvre. La posizione del braccio destro sulla statua del Louvre, tuttavia, è diversa da quella dell'Atena del Pireo. 

L' Atena del Pireo fu scoperta nel 1959 da operai che stavano perforando il sottosuolo per installare delle tubature. Lo scavo del sito fu guidato da John Papademitriou , capo del Servizio Archeologico Greco , e da Mastrokostas Euthymios, l'Epimelete dell'Attica . Gli scavi portarono alla luce un antico magazzino che era stato bruciato, che conteneva due gruppi di statue e altri manufatti. Atena fu trovata insieme a una statua in bronzo di Artemide non proprio a grandezza naturale, una grande maschera tragica in bronzo, due erme in marmo , due scudi in bronzo e una piccola statua in marmo di Artemide Kindyas. La stanza in cui fu trovata la statua era vicina al porto principale del Pireo e le statue sembravano essere imballate e pronte per essere spedite quando il magazzino bruciò. L'intera collezione è ora conosciuta come Bronzi del Pireo.
Esistono diverse teorie sul motivo per cui la statua sarebbe stata preparata per la spedizione. La prima si basa sul fatto che la città del Pireo fu conquistata da Silla nell'86 a.C. Ciò suggerirebbe che le statue fossero state spedite per salvarle dall'attacco romano. Ciò a sua volta indica che la posizione originale prevista per la statua potrebbe essere stata nel Pireo stesso o in luoghi nelle sue vicinanze, incluso il porto della vicina Atene.
Altri studiosi, tuttavia, ritengono che la statua possa provenire da Delo. Questa identificazione si basa sul fatto che tre delle statue trovate con l'Atena del Pireo erano di Artemide, che si credeva fosse nata a Delo. Un'ulteriore prova di questa ipotesi è la cattura di Delo da parte dei Romani nell'88 a.C. Se così fosse, le statue avrebbero potuto far parte della collezione che il generale di Mitridate aveva inviato ad Atene dopo la cattura dell'isola. Questa teoria è supportata dal fatto che una moneta emessa sotto il re Mitridate VI è stata trovata anche da qualche parte vicino alle statue con incisa una data equivalente all'87/86 a.C. 
Diversi elementi di prova datano la creazione della statua intorno alla fine del IV secolo. In primo luogo, diversi elementi del design della statua riflettono gli stili greci del IV secolo a.C. Uno di questi elementi è l'elmo corinzio che indossa, uno stile che divenne molto popolare nel IV secolo. Un secondo fattore è lo stile del peplo indossato dalla statua. Rappresenta un materiale pesante, uno stile che divenne di moda più tardi, durante la seconda metà del IV secolo, restringendo ulteriormente il possibile intervallo di datazione.

Attualmente ci sono due teorie sullo scultore della statua. Secondo Geoffrey Waywall , il drappeggio presenta somiglianze con una statua di Eirene (nella foto a sinistra) che tiene in braccio un bambino Pluto, che si pensa sia stata realizzata da Cefisodoto il Vecchio . Questa identificazione si basa sul fatto che Pausania afferma che Cefisodoto realizzò una statua di Pace e Ricchezza per gli Ateniesi. Plinio il Vecchio afferma che Cefisodoto fu attivo durante la 102a Olimpiade, che equivale al 372-368 a.C. Ciò coincide ulteriormente con il periodo in cui l'elmo corinzio e lo stile del peplo pesante erano popolari. Waywell identifica quelle che considera molteplici aree di somiglianza tra le due statue:
Vi sono notevoli somiglianze nella postura, nella posa generale, nelle proporzioni, nel trattamento del viso, dei capelli e degli arti e soprattutto nel trattamento del drappeggio.
Waywell sottolinea dettagli simili tra le due statue, come il modo in cui le pieghe del drappeggio sono disturbate dalla posizione del piede di appoggio e il modo in cui la gamba sollevata viene rivelata attraverso il peplo e le sue interazioni con il ginocchio, il polpaccio esterno e la caviglia. Si confronti anche la levigatezza della modellazione della gamba libera attraverso il drappeggio e la pesante piega che cade dal ginocchio. Sostiene inoltre che le due statue condividono lo stesso stile di pieghe verticali marcate nell'abbigliamento sui lati e sulla schiena.
Olga Palagia, tuttavia, sostiene che non vi sia molta somiglianza tra lo stile delle due statue:
L'unica somiglianza stilistica con l'Atena è offerta dalla posizione della gamba piegata non solo tirata indietro ma anche spostata di lato, e dalle pieghe della gonna che formano fasce invece di scanalature. 
Palagia respinge l'evidenza delle somiglianze tra le gonne delle statue, sostenendo che sono inaffidabili a causa del modo in cui i copisti spesso confondevano la resa originale. Invece, evidenzia diverse differenze tra gli stili delle due statue. In primo luogo, le pose delle due statue presentano lievi differenze; ​​in secondo luogo, ci sono ulteriori discrepanze tra altri elementi dell'abbigliamento, come il fatto che il peplo di Atena nasconde gran parte della sua cintura alla vista frontale, mentre il peplo di Eirene ha una breve caduta che termina appena sopra la cintura, lasciando visibile il kolpos. 

Invece di Cefisodoto, Palagia suggerisce Eufranore come scultore, basandosi sulla somiglianza dell'Atena del Pireo con l' Apollo Patroos (nella foto a destra), un'altra statua che si sa essere stata creata da lui. Le due statue condividono somiglianze stilistiche nel modo in cui la gonna drappeggia sulla gamba piegata e nella pienezza dei volti. Inoltre, entrambe condividono lo stesso tipo di posizione: il braccio alzato è sul lato opposto alla gamba piegata, sebbene la gamba e il braccio piegati siano opposti tra le due statue. Eufranore fu attivo durante la 104a Olimpiade, equivalente al 364-361 a.C., e quindi si adatta anche all'intervallo di tempo offerto dalla popolarità dell'elmo corinzio e del pesante drappeggio. 

GERMANIA - Dresda, Menade danzante

 

La Menade danzante o Baccante è una scultura attribuita a Skopas, databile al 330 a.C. e conosciuta da una piccola copia frammentaria in marmo (altezza 45 cm) conservata nel Museo delle sculture della Staatliche Kunstsammlungen Dresden.
La statua rappresenta una delle menadi, le fanciulle seguaci del dio Dioniso di cui celebravano il culto con cerimonie orgiastiche e danze forsennate al suono di flauti e tamburelli, al culmine delle quali aveva luogo il sacrificio di un capretto o di un capriolo, dilaniato a colpi di coltello e divorato crudo nel momento del culmine estatico.
La menade di Dresda è molto danneggiata, senza tuttavia perdere i suoi tratti fondamentali. L'agitazione che pervade tutta la figura viene resa dall'impetuosa torsione a vortice che, dalla gamba sinistra, passa per il busto e il collo sino alla testa, gettata all'indietro e girata, a seguire lo sguardo, verso sinistra; il volto è pieno, bocca naso e occhi sono ravvicinati, questi ultimi schiacciati contro le forti arcate orbitali per conferire maggiore intensità all'espressione. Il panneggio si apre e si volge verso l'alto, assecondando il ritmo ascensionale della statua. Il totale abbandonarsi del corpo alla passione è sottolineato anche dalla massa scomposta dei capelli, dall'arioso movimento del chitone che, stretto da una cintura appena sopra la vita, si spalanca nel vortice della danza, lasciando scoperto il fianco sinistro, e dal forte contrasto chiaroscurale tra panneggi e capigliatura da una parte e superfici nude dall'altra. Le braccia, perdute, dovevano seguire la generale torsione del corpo: il braccio sinistro, sollevato, stringeva contro la spalla un capretto; il destro era teso all'indietro e la mano impugnava un coltello. L'individuo rappresentato dalla scultura

In questo lavoro resta poco della razionalità e del controllo delle opere, ad esempio, di Policleto, raffigurando i nuovi orizzonti sociali, politici, culturali e religiosi che attraversavano la Grecia in un momento di instabilità come il IV secolo a.C. un'epoca in cui nuovi culti e tensioni politiche trasformavano la società. Le Menadi incarnano un elemento di frenesia e irrazionalità che, sebbene facente parte di una dimensione religiosa, si distanzia dai valori fondamentali della vita civile e razionale della polis.
Le Menadi non agiscono di propria iniziativa, ma sono condotte da Dioniso, che le guida attraverso stati di estasi e frenesia rituale. La loro esistenza sembra quindi incentrata su una funzione specifica, quella di eseguire il volere divino attraverso rituali che le separano dalla vita quotidiana e civile. Pur rivestendo un ruolo importante nel contesto religioso, la loro partecipazione si limita al regno del sacro, un ambito che le colloca al di fuori della sfera pubblica e razionale, destinata ai cittadini che partecipano attivamente alla vita politica e sociale.
I rituali a cui prendono parte, come le danze forsennate e la caccia rituale, sono manifestazioni di una dimensione dionisiaca in cui l'irrazionale prevale. Il loro coinvolgimento nello sparagmos, l'atto di dilaniare animali o persino esseri umani, simboleggia il potere caotico che incarna Dioniso, ma sottolinea anche la distanza di queste figure dall'ordine e dalla moderazione che regolavano la vita civile e politica. Sebbene esse giochino un ruolo rilevante nei rituali, non partecipano alla vita pubblica come soggetti attivi, riservando quel dominio agli uomini, custodi della ragione e del controllo.
Le Menadi, quindi, pur avendo un'importanza specifica nei culti dionisiaci, restano confinanti in una sfera simbolica che esprime il ritorno all'istintualità e alla natura, lontana dalle dinamiche razionali e dall'ordine della polis, dove dominano figure maschili. Questo riflette una gerarchia in cui la vita pubblica e politica, governata dalla ragione, rappresenta il livello più elevato dell'esistenza, in contrasto con l'elemento irrazionale e subalterno incarnato dalle Menadi, che non contribuiscono alla costruzione della comunità civile ma rimangono invece immerse nelle forze naturali e divine da cui dipendono.

GERMANIA - Berlino, Oplita di Dodona

 

La statuetta di oplita rinvenuta a Dodona (Collezione di antichità di Berlino, Misc. 7470, Antikensammlung der Staatlichen Museen zu Berlin, Misc. 7470) è un reperto archeologico acquistato nel 1880 ed è oggi ospitato a Berlino presso l' Altes Museum.
Su una base sottile e allungata si erge un guerriero oplita in posizione offensiva, armato di elmo , corazza e schinieri . Nella sinistra impugna uno scudo beota , mentre con la destra brandisce una lancia . La lancia è perduta, ma il foro nella mano determina la direzione originale. L'intera performance è vibrante e vivace. Lo sguardo del guerriero barbuto sopra lo scudo è rivolto verso un nemico. I muscoli del corpo sono curvati in modo eccellente e la sua postura mostra che è pronto per un attacco diretto. Il guerriero indossa una tunica attraverso il petto che risulta in una piega triangolare. Il resto del corpo è nudo e non indossa sandali. Sulla sua guancia destra appare una folta treccia che fa capolino dall'interno dell'elmo e che scende fino al petto. 
Questo bronzo, che era una statuetta sul bordo di una caldaia, originaria della fine del VI secolo a.C. (vicino al 500 a.C.), mostra differenze significative rispetto a statuette simili precedenti ed è caratterizzato come un capolavoro, mostrando la trasformazione dalla posizione del passo legato precedentemente utilizzata alla falcata libera, caratterizzando una nuova generazione di scultori.

GERMANIA - Berlino, Fanciullo che prega

 

Il Fanciullo che prega (in tedesco, Der betende Knabe), noto anche come Adorante di Berlino , è una statua in bronzo dell'antica Grecia raffigurante un giovane nudo con le braccia alzate, alta 128 cm (50 pollici), forse leggermente più piccola del naturale. Scolpita in stile ellenistico , è datata al 300 a.C. circa e attribuita alla scuola di Lisippo . È conservata presso l' Altes Museum di Berlino.
Analisi metallurgiche indicano che la statua fu realizzata in epoca ellenistica . Le somiglianze stilistiche con un busto di Demetrio I di Macedonia (ora a Napoli) indicano che la statua potrebbe essere stata realizzata da Teisikrate , nipote di Lisippo, intorno al 300 a.C. Altri la attribuiscono a Boida , figlio di Lisippo, basandosi su un riferimento a una statua di un fanciullo in preghiera menzionata nella Storia Naturale di Plinio .
La statua in bronzo incompleta, inizialmente priva di braccia e gambe, fu rinvenuta sull'isola di Rodi alla fine del XV secolo durante la costruzione delle mura cittadine . Arrivò a Venezia nel 1503. La gamba sinistra fu recuperata e riunita alla testa e al torso nel XVI secolo. La statua passò attraverso numerose importanti collezioni d'arte, tra cui le collezioni del conte Mario Bevilacqua a Verona, del duca Vincenzo Gonzaga a Mantova e la Collezione Reale di Carlo I. Le braccia sono ricostruzioni commissionate nel XVII secolo da Nicolas Fouquet , l'ultimo sovrintendente delle finanze di re Luigi XIV . La statua restaurata fu esposta al castello di Fouquet a Vaux-le-Vicomte . In seguito passò attraverso le collezioni del principe Eugenio di Savoia e del principe Venceslao del Liechtenstein .
Fu venduto a Re Federico II di Prussia nel 1747, che lo espose su una terrazza del Castello di Sanssouci a Potsdam fino al 1786, quando fu trasferito all'interno dello Stadtschloss di Berlino . Fu rimosso da Napoleone nel 1806 ed esposto al Musée Napoléon di Parigi. Fu acquistato e donato alla collezione dell'Altes Museum . Fu rimosso dalle autorità sovietiche a San Pietroburgo per un periodo dopo la Seconda Guerra Mondiale , ma tornò al museo di Berlino Est nel 1958 insieme ad altre antichità, tra cui l' Altare di Pergamo .
Numerosi restauri sono stati necessari negli ultimi 500 anni, tra cui la sostituzione di parti dei piedi e delle dita. La posizione delle braccia restaurate ha portato all'interpretazione della statua come raffigurante un uomo in preghiera, ma nessuna interpretazione è universalmente accettata. È stato suggerito che la statua possa rappresentare Apollo o Ganimede, o forse un atleta o un pastore. Potrebbe aver fatto parte di un gruppo scultoreo più ampio.

GERMANIA - Testa di cavallo di Waldgirmes

 

La testa di cavallo di Waldgirmes (in tedesco: Pferdekopf von Waldgirmes), fa parte di una scultura romana in bronzo dorato, presumibilmente una statua equestre dell'imperatore Augusto. È stata trovata nel 2009 in un campo vicino all'ex Foro Romano di Lahnau-Waldgirmes (in tedesco: Römisches Forum Lahnau-Waldgirmes) nel comune di Lahnau nello stato tedesco dell'Assia. Il foro di Waldgrimes era un luogo commerciale romano fortificato e ha i più antichi edifici in pietra conosciuti nella Magna Germania.
Dal 19 agosto 2018 la testa del cavallo è esposta al Saalburgmuseum di Saalbur, in Germania. 
La testa era sepolta a 11 metri sotto terra in un pozzo crollato, nascosta in una botte, ed era stata ritrovata nel corso di lavori di scavo archeologico di un antico insediamento romano. 
Il pezzo è lungo 59 cm, pesa circa 15 kg ed è stato accuratamente restaurato. È realizzato in bronzo dorato ed è considerato uno dei più importanti reperti archeologici della Germania. 
Le ricerche sulla scultura suggeriscono che la testa appartenesse a una statua equestre eretta nel Foro di Waldgirmes, che probabilmente rappresentava l'imperatore romano Augusto. 
Alcune stime datano la scultura all'1 d.C. Altri collocano l'intervallo di date in un periodo compreso tra il 4 a.C. e il 16 d.C. La scoperta ha suggerito una storia più pacifica dei Romani in Germania di quanto precedentemente ritenuto. L'esistenza della statua ha portato a teorie secondo cui i Romani vivevano una vita più stabile nell'antica Germania di quanto i ricercatori pensassero in precedenza. 
Per anni, lo stato dell'Assia e il proprietario terriero hanno discusso sul risarcimento a cui aveva diritto il proprietario del terreno, finché il tribunale distrettuale del Limburgo non lo ha fissato a 773.000 euro. Le stime del suo valore ammontano a quasi 2 milioni di dollari. 

AUSTRIA - Vienna, Giovane di Magdalensberg

Il Giovane di Magdalensberg era un'antica statua bronzea romana risalente al I secolo a.C., dispersa dal 1810 circa e ora presumibilmente perduta, che fu scoperta nel 1502 sul monte Magdalensberg in Carinzia, un tempo importante città del Norico, in epoca tardo celtica e protoromana . Oggi è nota principalmente grazie a un calco del XVI secolo , ora conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna ( Inventario n. VI 1), che fino al 1986 era erroneamente considerato l'originale.
Fino al XX secolo, la statua era conosciuta anche come il Giovane di Helenenberg dal vecchio nome di Magdalensberg. Il giovane è l'unica antica statua in bronzo a grandezza naturale conosciuta dalla regione alpina orientale e quindi è di grande importanza in Austria.
La statua in bronzo raffigura un giovane nudo , immobile, a grandezza naturale (1,85 metri di altezza, 1,85 m). Nella posizione contrapposta , la gamba destra è portante, mentre la sinistra è libera, sfiorando appena il suolo con le dita dei piedi. Il braccio sinistro pende libero, la mano destra è tesa all'altezza delle spalle. La testa è leggermente girata verso destra, seguendo il gesto della mano destra.
Sulla coscia destra è incisa un'iscrizione:
A[ulus] Poblicius D[ecimi] l[ibertus] Antio[cus]
Ti[berius] Barbius Q[uinti] P[ublii] l[ibertus] Tiber[inus o -ianus]
(A[ulus] Poblicus Antio[chus], fra[eedman] di D[ecimus]; Ti[berius] Barbius Tiber[inus o ianus], fra[eedman] di Q[uintus] P[ublius].)
Si tratta della dedica di due liberti, probabilmente attivi come mercanti nella città di Magdalensberg .
Uno scudo rotondo dorato trovato insieme al Giovane, che ora è andato perduto, portava questa iscrizione:
M. Gallicinus Vindili f[ilius] L[ucius] Barb[ius] L[ucii] l[ibertus] Philoterus pr[ocurator] / Craxsantus / Barbi[i] P[ublii] s[ervus].
(M[arcus] Gallicinus, figlio di Vindilus; L[ucius] Barb[ius] Philoterus, fr[eedman] di L[ucius]; Craxsantus, s[lave] di Barbi[us] P[ublius])
I donatori dello scudo erano quindi un celta libero, un liberto della Gens Barbia, originaria dell'Italia settentrionale , e uno schiavo celtico locale appartenente alla stessa famiglia. Anche uno dei due donatori del Giovane apparteneva a questa famiglia.
L'identificazione come immagine divina non può essere fatta sulla base della statua stessa o dell'iscrizione. Pertanto, le interpretazioni sono molteplici. Queste vanno dall'atleta, al portatore di torcia (Licnoforo), fino a varie divinità. Lo scudo rotondo non offre ulteriori indicazioni.
Interpretazioni recenti vedono la statua come la statua di culto di un Marte celtico proveniente dal santuario sulla cima della montagna, o come un sacerdote di Noreia , o come parte di un gruppo di statue dedicato a Noreia, o come una statua di Mercurio che si trovava nel foro della città .
La statua è un'opera eclettica di scultura idealizzata romana e fu realizzata nella prima metà del I secolo a.C. Il suo modello erano le sculture greche del V e IV secolo a.C. Probabilmente è una copia di un'opera della scuola di Policleto . 
La statua fu trovata nel 1502 da un contadino lungo il fiume, su una terrazza a sud della cima della montagna. Poco dopo, entrò in possesso di Matthäus Lang von Wellenburg, vescovo di Gurk e umanista . La portò con sé a Salisburgo nel 1519, quando divenne arcivescovo di Salisburgo . Fino agli anni '80 si presumeva che la statua fosse giunta da Salisburgo a Vienna nel 1806, in seguito alla Pace di Presburgo. Tuttavia, indagini sulla tecnica di fusione e analisi scientifiche del metallo, condotte nel 1986, hanno portato alla conclusione che la statua di Vienna è una fusione realizzata nel XVI secolo.
Il destino dell'originale non è noto con certezza. Come rivelano i documenti del capitolo del duomo di Salisburgo, giunse in possesso dell'imperatore Ferdinando I nel 1551, dopo di che ne fu realizzato un calco, che rimase a Salisburgo e giunse a Vienna nel 1806. L'originale fu trasferito in Spagna , dove è attestato nei giardini del Palazzo Reale di Aranjuez nel 1662 e nel 1786. Dall'inizio del XIX secolo, l'ubicazione della statua originale è sconosciuta.
Sono note due illustrazioni dell'originale. La prima proviene dalle Inscriptiones Sacrosanctae Vetustatis di Peter Apian e Bartholemew Amand del 1534, l'altra da un affresco di Hans Bocksberger der Ältere nella navata della cappella della Residenza di Landshut del 1542.

 

FRANCIA - Efebo di Agde

Il Giovane di Agde (l'Éphèbe d'Agde) è una statua in bronzo scoperta il 13 settembre 1964, sul letto del fiume Héraul , sulla costa sud-orientale della Francia, da Denis Fanquerle e dai subacquei del Gruppo di ricerca archeologica marina di Agde. È probabilmente associata a un antico relitto greco. 
Alta 1,33 metri, la statua è in bronzo e datata al II secolo a.C. (tardo periodo ellenistico ). Raffigura un giovane, probabilmente un sovrano. I suoi lineamenti ricordano quelli del Doriforo di Lisippo, il che suggerisce che il suo creatore fosse un allievo del maestro scultore.
La statua è in cattive condizioni a causa della sua immersione nell'estuario dell'Hérault per così tanti anni. La superficie del bronzo è corrosa e mancano la metà inferiore di entrambe le braccia e entrambi i piedi. Un piede è stato ritrovato sei mesi dopo la scoperta iniziale, a circa 600 metri di distanza dal reperto originale, sepolto sotto 1,5 metri di depositi di limo sul letto del fiume. Il resto delle parti deve ancora essere localizzato.
La Giovinezza di Agde, per i primi quindici anni della sua seconda vita sulla terraferma, risiedette nei magazzini del Louvre. Ora è esposta al Museo di Agde.

FRANCIA - Parigi, Louvre / Apollo Sauroctono

 

L'Apollo Sauroctono (Apollo che uccide la lucertola) è il nome dato a diverse copie romane in marmo del I e ​​II secolo a.C. di  un originale dell'antico scultore greco Prassitele. Le statue raffigurano un Apollo adolescente nudo in procinto di catturare una lucertola che si arrampica su un albero. Questo tipo di statuaria greca è noto principalmente dal Sauroctono Borghese nel Museo del Louvre (Ma 441), dal Sauroctono Vaticano nel Museo Pio-Clementino (C. 750) e, più recentemente, dall'Apollo in bronzo di Cleveland nel Cleveland Museum of Art (C. 2004-30). Durante il periodo romano, furono realizzate numerose copie in marmo, ora visibili in vari musei in tutto il mondo, in particolare nelle collezioni dei Musei Vaticani , di Villa Albani e dei Musei Nazionali di Liverpool. 
Dal punto di vista storiografico, il lavoro è stato all'origine della Kopienforschung ("ricerca di copie"), un approccio che consiste nel ricostruire un prototipo perduto a partire dallo studio di copie, varianti, rappresentazioni su altri supporti ( intagli , monete , ecc.) e testi letterari.
La versione originale in bronzo di questa scultura è attribuita da Plinio il Vecchio (XXXIV, 69-70) allo scultore ateniese Prassitele ed è generalmente datata intorno al 350-340 a.C. Marziale scrisse un epigramma sulla statua (14, 172): "Risparmia la lucertola, ragazzo traditore, che striscia verso di te; desidera perire per mano tua.".
Nella Roma del XVII  secolo, una statua a grandezza naturale di un giovane che minaccia una lucertola che striscia su un tronco d'albero fu scoperta e rapidamente acquisita dal cardinale Scipione Borghese. 

Nel 1720, il barone von Stosch collegò una pietra incisa della sua collezione a un passo di Plinio il Vecchio: "(Prassitele fece anche in bronzo) un giovane Apollo, che osserva con una freccia una lucertola che si aggira, che si chiama sauroctonus". Nel 1760, Johann Joachim Winckelmann estese il collegamento all'Apollo Borghese e a una statuetta in bronzo della collezione Albani. Dopo aver considerato quest'ultima, identificò l' Apollo Borghese nella sua Storia dell'arte (1760). La scoperta, qualche anno dopo, di altri sauroctoni, e in particolare di un'altra statua a grandezza naturale, il Sauroctonos vaticano (nella foto a sinistra), rovinò questa ipotesi. Winckelmann e il suo collega italiano Ennio Quirino Visconti determinarono quindi che si trattava di copie romane dello stesso tipo. Nel 1807, il Sauroctono Borghese fu tra le statue che il principe Camillo Borghese , in gravi difficoltà finanziarie, fu costretto a vendere al cognato, Napoleone  I. L'opera entrò quindi al Museo del Louvre, dove si trova ancora oggi .
Nel 2003, lo studio del tipo è stato ripreso dalla comparsa sul mercato di una statua precedentemente sconosciuta, che si è rivelata essere l'unica statua in bronzo a grandezza naturale di Sauroctono. Secondo il suo venditore, proveniva da una residenza privata nell'ex RDT, dove si pensava fosse una  copia del XVIII o XIX secolo. Acquisito nel 2004 dal Cleveland Museum of Art, il "Cleveland Apollo ", come fu presto chiamato, è stato datato dalle analisi iniziali al Secondo periodo classico e presentato da Michael Bennett, curatore del Dipartimento di antichità greche e romane del CMA, come possibile statua vista da Plinio. La statua è anche oggetto di controversia sulla sua origine, con voci che sostengono che sia stata in realtà saccheggiata in Italia o in Grecia, il che ha portato il Consiglio archeologico centrale greco (KAS) a richiedere formalmente al Louvre di non includerla nella sua mostra di Prassitele della primavera del 2007.

La statua raffigura Apollo nella sua giovinezza, il che è insolito nell'arte classica, che generalmente non rappresentava divinità diverse da Dioniso ed Eros come bambini o adolescenti. Martin Robertson ha suggerito che la statua alluda al mito di Apollo che uccide il serpente Pitone . Jennifer Neils contesta questo, osservando che Pitone è raffigurato altrove nell'arte greca come un serpente gigante e che non c'è motivo di credere che il pubblico antico avrebbe associato la piccola lucertola raffigurata sull'Apollo Sauroctonos a Pitone. La statua potrebbe rappresentare Apollo che guarisce la lucertola, in relazione al mito secondo cui la lucertola, quando perde la vista, viene curata guardando il sole . ][ freccia con cui stava per colpire la lucertola, simbolo di malattia , epidemia e contagio , che si arrampica sul tronco dell'albero.
Apollo è raffigurato come un efebo: ancora giovane, nudo, con arti inerti, immaturi, quasi femminili , si appoggia con dolce abbandono a un tronco d'albero (necessario per sostenere la statua). Il piede sinistro, posto accanto al tallone destro, crea un rilassamento completo e quasi sconnesso della gamba sinistra, accentuando così il senso di grazia del suo corpo tenero e flessuoso. L'ambientazione non è più verticale e statica come nelle opere di scultori precedenti (come nel Doriforo di Policleto), ma più dinamica e sbilanciata, capace di creare linee sinuose.
Il giovane dio, con lo sguardo leggermente distratto, è colto nel momento in cui sta per trafiggere con uno stilo una lucertola che si arrampica sul tronco dell'albero . È un dio in gioco, un'attività che nessuno scultore delle epoche precedenti avrebbe mai pensato di attribuire a una divinità .
Così come la creazione dell'Afrodite di Cnido teneva conto del coinvolgimento diretto dello spettatore, motore dell'azione considerato un evento chiuso in sé, capace di essere guardato solo dall'osservatore, che rubava quasi un momento di intimità alla divinità, nell'Apollo Sauroctonos anche lo spettatore ha la possibilità di contemplare la nuova relazione fatta di spazi, gesti e sguardi.
Dal punto di vista iconologico , potrebbe trattarsi di una versione di Apollo Alexikakos (Ἀπόλλων Ἀλεξίκακος) ovvero protettore dal male: Apollo è anche il dio della luce e, in quanto dissipatore delle tenebre , difende gli uomini da vari pericoli; così agli epiteti alexikakos e apotropaios si aggiungono quelli di smintheus (che difende dai morsi dei topi ) e parnopios (che salva dalle locuste).

FRANCIA - Parigi, Louvre / Adorante di Larsa

 

Il cosiddetto Adorante di Larsa è una statuetta mesopotamica del Periodo paleo-babilonese (prima metà del II millennio a.C.), proveniente probabilmente dalla città di Larsa. La statuetta presenta un'iscrizione in sumero ed è dedicata al dio Amurru da un tale Lu-Nanna per la vita del re paleo-babilonese Hammurabi.
La statuetta, conservata al Museo del Louvre (AO 15704), che l'acquisì nel 1931, misura 19,6 centimetri in altezza, 14,8 in lunghezza e 7 in larghezza. È in rame e oro, e ritrae un uomo inginocchiato, con la mano davanti alla bocca, in atteggiamento di preghiera. Oggi si ritiene che l'uomo sia il dedicante Lu-Nanna e non Hammurabi, come a lungo si è creduto. La dedica attesta la crescente importanza del dio Amurru nella religiosità paleo-babilonese.

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Pesi di leoni assiri

 

I pesi di leoni assiri sono un gruppo di bronzo di pesi mesopotamici che presentano scritture bilingue (caratteri cuneiformi e fenici); hanno varia misura e grandezza e i più grandi presentano delle maniglie.
Tali pesi sono storicamente molto importanti:

• dal punto di vista linguistico, perché testimoniano la discendenza aramaica della lingua fenicia;
• dal punto di vista scientifico, perché i pesi rappresentano il primo esempio di sistema numerico aramaico;
• dal punto di vista politico, poiché otto dei leoni raffigurano il breve regno di Shalmaneser V.

I pesi più antichi (appartenenti all'VIII secolo a.C., ossia nello stesso periodo della stele di Mesha) sono stati scoperti da Austen Henry Layard durante i suoi a scavi a Nimrud (1845-1851) e sono attualmente nel British Museum (nella foto in alto). Nella spedizione sono state rinvenute in tutto sedici statuette di bronzo a forma di leone, di cui grazie ad Edwin Norris si scoprì l'antica funzione di peso.
A questi si aggiungono altri pesetti di bronzo simili, e sempre a forma di leone, datati circa ai secoli VI-IV a.C. e rinvenuti nel 1901 nel sito iraniano di Susa dall'archeologo francese Jacques de Morgan, e oggi conservati al Museo del Louvre di Parigi (nella foto in basso).
Probabilmente al gruppo di leoni appartenevano possibili pesetti di pietra a forma di anatra ancora oggi non rinvenuti.

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Discobolo Townley

 

Il Discobolo di Mirone (" lanciatore di dischi ", in greco antico : Δισκοβόλος, Diskobólos ) è un'antica scultura greca completata all'inizio del periodo classico intorno al 460-450 a.C. che raffigura un antico atleta greco che lancia un disco. Sebbene il calco originale greco in bronzo sia andato perduto, l'opera è nota attraverso numerose copie romane, sia a grandezza naturale in marmo, che è più economico del bronzo, come il Discobolo di Palombara, il primo ad essere recuperato, sia versioni in scala ridotta in bronzo.
Una norma nell'atletica greca antica , il Discobolo è presentato nudo. La sua posa appare innaturale per un essere umano ed è considerata, secondo gli standard moderni, un modo piuttosto inefficiente di lanciare il disco.
L'abilità di Mirone è evidente nella sua capacità di trasmettere il senso del movimento del corpo nel momento della sua massima tensione e splendore all'interno di un mezzo statico, trasformando un'attività atletica di routine in una rappresentazione di equilibrio e armonia. Mirone è spesso considerato il primo scultore a padroneggiare questo stile. Tuttavia, il grande sforzo dell'atleta non si riflette nella sua espressione facciale, che mostra solo una tenue concentrazione. Il busto non mostra alcuna tensione muscolare, sebbene gli arti siano slanciati. L'altro marchio di fabbrica di Mirone incarnato in questa scultura è la perfetta proporzione del corpo: la simmetria . Il corpo dell'atleta dimostra un senso delle proporzioni, con una meticolosa attenzione ai dettagli in ogni muscolo e tendine, catturando la dinamica delle azioni fisiche di un lanciatore. La posizione contrapposta, che sposta delicatamente il peso dell'atleta da una gamba all'altra, conferisce una parvenza di movimento e aggiunge un elemento di realismo all'opera d'arte. L'energia potenziale espressa nella posa strettamente avvolta di questa scultura, che esprime il momento di stasi appena prima del rilascio, è un esempio del progresso della scultura classica rispetto a quella arcaica .
Come osservò Clark, "Myron ha creato il modello duraturo dell'energia atletica. Ha preso un momento di azione così transitorio che gli studenti di atletica ancora dibattono se sia fattibile, e gli ha dato la completezza di un cameo. A un occhio moderno, può sembrare che il desiderio di perfezione di Myron lo abbia portato a sopprimere troppo rigorosamente il senso di tensione nei singoli muscoli".
Il Discobolo fu scolpito in un'epoca in cui la Grecia era all'apice delle sue conquiste artistiche e atletiche. Gli antichi Giochi Olimpici non erano solo eventi sportivi, ma erano profondamente intrecciati con la cultura e la religione greca . L'opera di Mirone incarna la filosofia greca dello sviluppo armonioso di corpo e mente, un'idea nota come kalokagathia , in cui la bellezza fisica e la prodezza erano celebrate come componenti integranti di una vita virtuosa.
Il Discobolo di Mirone era noto da tempo grazie a descrizioni come il dialogo nell'opera Philopseudes di Luciano di Samosata : "Quando sei entrato nella sala", disse, "non hai notato una statua davvero splendida lassù, opera del ritrattista Demetrio?" "Certamente non ti riferisci al discobolo", dissi, "quello piegato nella posizione di lancio, con la testa rivolta verso la mano che tiene il disco e il ginocchio opposto leggermente flesso, come chi si rialza dopo il lancio? "Non quello," disse, "quello è un'opera di Mirone , quel Diskobolos di cui parli..." —  Luciano di Samosata , Philopseudes c. 18
Prima della scoperta di questa statua, il termine Discobolo era stato applicato nel XVII e XVIII secolo a una figura in piedi che reggeva un disco, un Discophoros , che Ennio Quirino Visconti identificò come il Discobolo di Naucide di Argo, menzionato da Plinio (Haskell e Penny 1981:200).

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Torques di Ourense

 

I torques di Ourense sono una coppia di anelli da collo in oro dell'età del ferro , ritrovati vicino a Ourense, nel nord-ovest della Spagna, negli anni '50. Furono acquisiti dal British Museum nel 1960. 
Il luogo esatto del ritrovamento dei due torques non è mai stato confermato, ma gli esperti, basandosi sulla forma e sul design dei torques, hanno stabilito che provengono da Ourense, nella provincia di Galizia, vicino al confine tra Spagna e Portogallo .
I due torques d'oro sono quasi identici, con terminali a doppia bobina e corpo circolare. I terminali presentano un'ampia depressione centrale affusolata, con ornamenti in rilievo lungo il bordo. Il loro disegno celtico è caratteristico dei torques prodotti in Galizia e nel Portogallo settentrionale, nella penisola iberica .

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Tesoro di Cordova

 

Il tesoro di Cordova, o Tesoro de Córdoba in spagnolo, è il nome di un importante tesoro d'argento dell'età del ferro trovato nella periferia della città di Cordova, in Spagna, nel 1915. L'intero tesoro fu acquistato dal British Museum nel 1932, dove è esposto al pubblico da allora. 
Il tesoro di oggetti d'argento fu trovato per caso nel 1915 a Molino de Marrubial, un sobborgo della città di Cordova, nella provincia dell'Andalusia, in Spagna. Il tesoro era stato sepolto in una fossa per sicurezza, ma non fu mai recuperato dai suoi proprietari originali. Il Tesoro di Cordova entrò infine in possesso del collezionista d'arte americano Walter Leo Hildburgh, che lo vendette al British Museum nel 1932. Il tesoro è uno dei pochi tesori dell'età del ferro della penisola iberica a far parte della collezione di un museo al di fuori della Spagna o del Portogallo .

Il tesoro risale all'età del ferro e fu probabilmente sepolto intorno al 100 a.C. Sebbene questa parte della Spagna fosse stata recentemente conquistata per entrare a far parte dell'Impero Romano, lo stile dei gioielli riflette le tradizioni estetiche celtiche. Il tesoro d'argento comprende una grande collana circolare con terminali a forma di doppio cono, otto bracciali con decorazioni zoomorfe a rilievo, una spilla a forma di due teste di cavallo, una ciotola conica, oltre trecento monete, due pezzi d'argento e altri oggetti vari, tra cui verghe e lingotti. Le monete permettono agli archeologi di datare il tesoro, poiché 82 di esse furono realizzate localmente e 222 furono coniate in una città romana.
Non è chiaro perché il tesoro non sia mai stato recuperato dalla persona o dalle persone che lo avevano sepolto. La grande quantità d' argento contenuta nel tesoro potrebbe aver suggerito che il suo proprietario avesse pianificato di fonderlo in una fase iniziale, ma per qualche motivo non ci fosse riuscito. Altri hanno ipotizzato che potesse trattarsi di un'offerta votiva , secondo le usanze indigene.

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Anfora di Elgin

 

L' Anfora di Elgin è una grande anfora greca antica con manico a collo, realizzata in argilla cotta ad Atene intorno al 760-750 a.C. Il recipiente in ceramica potrebbe essere stato utilizzato per contenere il vino durante un banchetto funebre e poi sepolto con i resti cremati del defunto. Sono sopravvissuti frammenti, decorati in stile tardo geometrico e attribuiti a un artista sconosciuto, a cui è stato attribuito il nome di " Maestro del Dipylon ", uno dei primi artisti greci identificabili individualmente. I frammenti sono stati restaurati per ricostruire un unico recipiente incompleto, alto 67 centimetri (26 pollici), ora esposto al British Museum di Londra.
L'anfora poggia su un piede a orlo. La superficie esterna del corpo ovoidale è decorata con fasce di motivi geometrici, tra cui losanghe ripetute in un disegno ad arazzo attorno alla parte più larga dell'anfora, file di triangoli e un motivo a scacchiera sulle spalle. L'alto collo cilindrico reca un doppio meandro e un fregio di uccelli acquatici appena sotto l'orlo. Le anse a cinghia sono decorate con serpenti punteggiati.
Frammenti dell'anfora furono rinvenuti ad Atene da Giovanni Battista Lusieri nel 1804-1806. Il luogo esatto del ritrovamento non è noto, ma probabilmente si trovava tra la collina del Mouseion e il fiume Iliso . Fu acquistata da Thomas Bruce, VII conte di Elgin . I suoi discendenti la vendettero a John Hewett prima degli anni '50, e fu poi acquisita dall'Onorevole Robert Erskine, figlio di John Erskine, Lord Erskine . Un frammento fu venduto da Sotheby's nel 1994 e successivamente riunito agli altri frammenti acquistati privatamente. Fu prestato al British Museum e poi acquisito dal British Museum nel 2004 dai Trustees della Stanford Place Collection, utilizzando 40.000 sterline fornite dall'Art Fund e fondi della Wolfson Foundation , Alexander Talbot Rice , British Museum Friends, il Caryatid Fund e la Society of Dilettanti Charitable Trust.

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Vaso Piranesi

 

Il Vaso Piranesi o Vaso Boyd è un colossale cratere a calice in marmo, ricostruito , proveniente dall'antica Roma, su tre gambe e base triangolare, con un rilievo lungo i lati. È alto 2,71 m e ha un diametro di 0,71 m.
La parte superiore è nello stile del Vaso Borghese. La parte inferiore, che non era originale, è stata influenzata dal Vaso Torlonia, un celebre marmo neoattico romano della collezione del cardinale Albani. Allo stesso modo, si erge su tre zampe di leone, che nel caso del Vaso Torlonia erano aggiunte del XVI secolo. 
Il vaso fu restaurato e/o ricostruito dall'artista Giovanni Battista Piranesi , a partire da un gran numero di frammenti romani provenienti da Villa Adriana a Tivoli, dove Gavin Hamilton stava effettuando scavi negli anni Settanta del Settecento. Come accennato in precedenza, alcune parti del vaso di Piranesi sono un pastiche: il suo stelo e i suoi supporti sono costituiti da una varietà di frammenti antichi non correlati, integrati da parti moderne corrispondenti. Altre parti sono ricostruzioni minuziose, abili e accurate. Il suo fregio utilizza numerosi frammenti originali per riprodurre una scena di satiri che producono vino. La scena fu modellata su un altare romano a Napoli che nel XVIII secolo era nella collezione del Principe di Francavilla e illustrato nel Recueil d'Antiquités di Bernard de Montfaucon del 1757.
Il Vaso Piranesi e il cosiddetto Vaso Warwick sono tra i progetti di restauro più ambiziosi a cui Piranesi partecipò. Ogni vaso fu raffigurato in tre tavole in Vasi, Candelabri e Cippi , una raccolta di acqueforti realizzata nel 1778. Il vaso fu venduto come un autentico manufatto romano antico, una pratica considerata accettabile all'epoca.
Il diario di un turista olandese menziona il vaso nella bottega di Piranesi nel 1776. Nello stesso anno fu acquistato da Sir John Boyd durante il suo Grand Tour . Era un ricco proprietario delle Indie Occidentali e direttore della Compagnia Britannica delle Indie Orientali, e lo espose nel parco paesaggistico della sua villa neopalladiana Danson House a Bexley , dove le pitture murali della sala da pranzo riprendevano i temi bacchici del vaso.
Fu acquistato dagli eredi di Boyd e da Hugh Johnston dal British Museum nel 1868. Fu esposto nell'Orangerie di Kensington Palace dal 1955 al 1976. Ora si trova nella Enlightenment Gallery del British Museum.

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Apollo di Strangford

 

L' Apollo di Strangford è un'antica scultura greca raffigurante un ragazzo nudo, privo di braccia e gambe. Risale al 490 a.C. circa, il che la rende uno degli esempi più recenti di statuaria di tipo kouros , ed è realizzata in marmo pario . La sua provenienza è incerta: si ritiene generalmente che sia stata realizzata sull'isola di Egina e rinvenuta ad Anafi . In origine potrebbe essere stata una statua di culto , o forse una dedica di un tempio.
La scultura è nella collezione del British Museum dal 1864, quando Charles Thomas Newton la acquistò per il museo dalla collezione di Percy Smythe, VIII visconte Strangford , che l'aveva acquisita negli anni '20 dell'Ottocento durante la Guerra d'Indipendenza greca . Fu utilizzata come modello per il volto del "Colosso di Leone", una statua colossale costruita come oggetto di scena per il film di Sergio Leone del 1961 " Il Colosso di Rodi" .
L'Apollo di Strangford fu realizzato in marmo pario intorno al 490 a.C., ed è alto 1,01 metri. Raffigura un giovane nudo in piedi nello stile del kouros . Le parti inferiori delle gambe e delle braccia sono mancanti. Si ritiene generalmente che sia stato trovato sull'isola di Anafi , sebbene sia stato anche suggerito che sia stato scoperto a Lemno : una o entrambe queste attribuzioni furono fatte da Charles Thomas Newton , il custode delle antichità greche e romane del British Museum , sebbene le prove su cui basò il suo giudizio siano ora perdute. 

Si ritiene generalmente che la statua provenga dall'isola di Egina , in parte a causa delle somiglianze tra essa e le figure raffigurate sui frontoni del tempio di Afaia dell'isola : questa ipotesi fu suggerita per la prima volta da Heinrich Brunn ed è stata generalmente accettata da allora, sebbene nel ventesimo secolo Ernst Buschor abbia suggerito che potrebbe essere stata realizzata in Beozia , ed Ernst Langlotz che sia stata realizzata su un'isola greca. Potrebbe essere stata la statua di culto del tempio di Apollo Aigletes dell'isola, o in alternativa essere stata offerta come dedica al tempio: allo stesso modo, la statua potrebbe essere precedente alla costruzione del tempio. 
L'Apollo di Strangford è uno degli ultimi esempi conosciuti del tipo kouros , che ebbe origine nel settimo secolo a.C., durante il periodo arcaico dell'arte greca. Jerome Pollitt ha scritto che mostra "l'umanizzazione esteriore che caratterizzava gran parte della scultura tardo arcaica", e che segue un canone di proporzioni più naturalistico rispetto alla maggior parte dei kouroi precedenti. 
Si ritiene che la statua sia stata acquisita da Percy Smythe, 8° visconte Strangford , ambasciatore britannico presso la Sublime Porta a Costantinopoli tra il 1820 e il 1825, negli anni '20 dell'Ottocento, all'inizio della guerra d'indipendenza greca. Fu acquistata dal British Museum nel 1864, da una collezione che era stata creata da Strangford prima della sua morte nel 1855. Newton scoprì la statua nella cantina di Strangford e la acquistò per il museo. 
Lo scultore Ramiro Gómez utilizzò il volto dell'Apollo di Strangford per quello del "Colosso di Leone", una statua colossale costruita come oggetto di scena per il film del 1961 di Sergio Leone Il colosso di Rodi , dopo che il desiderio di Leone di dare alla statua il volto di Benito Mussolini fu respinto. 

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Pericle con l'elmo corinzio

 

La statua di Pericle con l'elmo corinzio è una statua perduta a grandezza naturale dello statista e generale ateniese Pericle. Oggi, solo una parte della base sopravvive. Sono noti quattro busti marmorei di epoca romana imperiale modellati sulla testa della statua.
Le copie romane del busto di Pericle derivano da una statua in bronzo realizzata dallo scultore Kresilas . Questa statua a grandezza naturale fu probabilmente installata sull'Acropoli ateniese alla morte del politico o poco dopo. Pausania afferma che la statua si trovava direttamente oltre i Propilei, la porta dell'Acropoli. Poiché questa statua non è conservata e si conoscono solo informazioni limitate su di essa, la sua disposizione non è chiara e i suoi dettagli possono essere solo intuiti tramite analogie e supposizioni. Pericle non fu mostrato in modo realistico, ma come un'immagine idealizzata dello stratega di lunga data . Se fosse raffigurato nudo, vestito o con l'armatura completa è controverso. I resti della base della statua sono stati conservati con un'iscrizione dedicatoria. Una fessura nella base indica che la statua teneva una lancia nella mano sinistra. La leggera rotazione della testa indica che la statua impiegava il contrapposto classico .
Pericle è raffigurato come un uomo adulto con un elmo corinzio . L'elmo simboleggiava il suo ruolo militare di stratega. 

La copia di Berlino (nella foto a destra) è eseguita con particolare cura. L'elmo è piegato all'indietro, con corti capelli ricci che spuntano dalle tempie. La barba è tagliata corta con molti piccoli riccioli ben ordinati. Ampie palpebre regolari incorniciano gli occhi e le sopracciglia sono intagliate sopra. Le sue labbra carnose sono leggermente dischiuse. Dietro i fori per gli occhi dell'elmo, si possono vedere altri capelli (come in due delle altre tre copie). Questi capelli, molto più in alto di dove ci si aspetterebbe che finissero, potrebbero suggerire la forma insolita della testa di Pericle, a cui occasionalmente si fa riferimento nella Commedia Attica con il soprannome offensivo di "Testa di porro". (Vedi anche la "Vita di Pericle" di Plutarco). Si diceva che questa deformità fosse la ragione per cui Pericle fosse sempre raffigurato con un elmo corinzio, poiché questo avrebbe nascosto l'altezza della sua testa. La presenza dei capelli nei fori degli occhi dovrebbe quindi essere probabilmente vista come un'aggiunta di uno scultore colto.

Con questa immagine di Pericle, Kresilas creò una sorta di simbolo della democrazia ateniese. 

Tuttavia, la scultura si conformava anche all'ideale di cittadino ampiamente accettato all'epoca e impiegava l'espressione facciale calma e composta che era l'ideale contemporaneo. Di conseguenza, le tendenze realistiche dell'arte ateniese, che si ritrovano in una certa misura nel busto di Temistocle , furono abbandonate. L'espressione è seria, priva di emozioni. In questa raffigurazione, la personalità autocontrollata attribuita a Pericle nella tradizione storica. L'identificazione di questa figura idealizzata con Pericle è dovuta al fatto che due delle copie sono iscritte: una nei Musei Vaticani (nella foto a sinistra), l'altra al British Museum (nella prima foto in alto, a sinistra).

REGNO UNITO - Londra, British Museum / Collare di Sintra

 

Il Collare di Sintra (in portoghese: Xorca de Sintra) è un anello d'oro dell'età del bronzo rinvenuto nei pressi di Sintra , in Portogallo . Dal 1900 fa parte della collezione del British Museum ed è da tempo ammirato per la raffinatezza e la bellezza geometrica del suo design e della sua tecnica. 
Il Collare di Sintra è costituito da tre spesse barre rotonde di diametro graduato, rastremate e fuse insieme alle estremità. Una piastra di collegamento scanalata è fissata in modo lasco tramite ganci all'estremità che passano attraverso fori . I segmenti anteriori delle barre presentano una decorazione geometrica incisa di linee parallele, divise in pannelli e orlate da una serie di triangoli (noto come motivo a dente di cane). Alle due estremità sono fissate due coppe d' oro formate separatamente , con una punta interna e una modanatura. La piastra di chiusura è ornata da cinque costole, tre delle quali presentano linee oblique incise.
Si dice che il collare d'oro sia stato trovato nel 1878 da alcuni operai che scavavano un fossato in una cava di pietra nella parrocchia di Santa Maria di Casal Amaro, vicino a Sintra, in Portogallo . Secondo quanto riportato all'epoca, il collare fu trovato insieme a ossa umane in una tomba. Poco dopo la scoperta, i reperti furono acquistati dal proprietario terriero. In seguito, fu acquistato dai commercianti londinesi John Hall Junior & Co, che lo vendettero al British Museum all'inizio del secolo .
Il Collare di Sintra è uno dei numerosi ritrovamenti di gioielli simili risalenti all'età del bronzo documentati lungo la costa atlantica europea. La sua decorazione, ad esempio, trova riscontro nei collari contemporanei rinvenuti nella Spagna meridionale , in siti come Sagrajas, vicino a Badajoz . Tuttavia, il suo complesso design a barre affusolate e a piastra di aggancio con ganci è unico.